Los que nos sigan con cierta frecuencia sabrán lo mucho que nos gustan los tráileres. Hay veces, quizás más de las deseables, que el propio avance nos induce a tener una idea equivocada de la película. Bunraku pertenece a este grupo. Su tráiler parecía apuntar a la típica producción rara, pero simpática. Hay que reconocer que nos equivocamos: Bunraku no es ni siquiera simpática.

Estamos en un futuro post-apocalíptico en el que no existen las armas de fuego, pero por alguna razón siguen existiendo imperios criminales como el de Nicola (Ron Perlman) y sus asesinos. Pero héte aquí que no solamente uno, no, sino hasta dos hombres misteriosos, encarnados por una especie de cowboy sin nombre (Josh Hartnett) y un samurai japonés llamado Yoshi (Gackt) acabarán uniendo fuerzas para enfentarse a ese reino del terror. Como ven, nada nuevo bajo el sol.

Bunraku, cuyo nombre hace referencia al teatro de marionetas japonés, no es más que un western en el que los protagonistas van a ir zurrando a lacayos hasta llegar al final boss Nicola, una especie de cavernícola filósofo que le lanza hachas de mano a la gente. Hasta aquí, todo más que visto. Lo realmente novedoso, pues, es la estética, en la que los decorados son unos dioramas, dándole a todo el conjunto un aspecto muy comiquero.

Y realmente, el prólogo, que es donde más partido se saca a este peculiar estilo visual, llega a ser interesante a pesar de una continua voz en off que nos pone en antecedentes. El problema es que tras esos cinco minutos, la película ya ha dado todo lo que podría ofrecer, y aún quedan otras dos horas por delante.

Porque sí, una historia simple como el vocabulario del Correcaminos se alarga hasta la desesperación con peleas que, salvo algún momento inspirado (el rescate de la prisión) carecen de la más mínima espectacularidad y emoción. Yo me pregunto de qué sirve tener nueve asesinos megatemibles, si al final Harnett se los ventila en dos puñetazos. Pero claro, lo peor es cuando ya no hay tollinas y los personajes se ven obligados a rellenar los interludios hablando. Sería más facil encontrar pensamientos profundos en diez minutos de La Noria que en todo el rato que dura Bunraku.

Y es que el “cuidado” retratando a los protas se deja sentir en cada ocasión. Vean algún ejemplo. Resulta que Harnett, como es “muy rápido con las manos” no sólo puede ganar a las cartas a cualquiera, sino también molerle a palos. Por si acaso, yo les advierto que tengan cuidado con Juan Tamariz. Demi Moore, que sale muy guapa en algunos planos, aparece unos cinco minutos para luego desaparecer de forma inesperada, más que nada porque no tiene peso ninguno en la trama. Pero el que se lleva la palma es Perlman: que la naturaleza no le dotó de físico de galán es más que evidente, pero entre esos pelos que le darían grima a Mickey Rourke y las frases que le han tocado pronunciar, cada vez que entra en escena uno se echa las manos a la cabeza.

Para qué seguir, la verdad. Es muy aburrida, la narración no tiene ritmo ninguno, las peleas carecen de la menor gracia y los pocos aciertos visuales quedan sepultados bajo un metraje disparatado. Si aún así les llama la atención, véanse el tráiler tres o cuatro veces: no sólo se les quitarán las ganas, sino que todavía habrán ganado tiempo.

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No sorprende a nadie ya el gusto de Hollywood por el remake, bien sea de películas hechas en Oriente, bien en el Antiguo Mundo o incluso revisitaciones de sus propias producciones, a veces tan recientes que asombra. La gran saga de este principio de siglo no podía quedar impune, y menos tras la adaptación escandinava del 2009, que descubrió al mundo la menuda figura de Noomi Rapace.

El comienzo nos presenta al periodista Mikael Blomkvist (Daniel Craig), editor de la revista Millennium, que ha sido acusado de difamación por uno de sus reportajes. Mientras espera el veredicto, el ex-director de una poderosa corporación, Henrik Vanger (Christopher Plummer) le encarga averiguar lo que pueda sobre la desaparición de su sobrina Harriet, acontecida cuarenta años atrás. Para aclarar los hechos, necesitará de todos los recursos posibles, incluyendo los servicios de una joven hacker llamada Lisbeth Salander (Rooney Mara).

Como servidor aún no ha leído la susodicha trilogía Millennium, se abstendrá precavidamente de hacer valoraciones sobre su fidelidad al libro. Y a pesar de haber visto las cintas suecas, también de establecer comparaciones sobre si Lisbeth tiene el tatuaje más molón en una versión o en otra o si Blomkvist debería llevar jerseys de punto o no. Baste decir que, como es habitual, el guionista y el director son los que deciden qué peso deben darle a cada aspecto de la trama, y dependerá del espectador lo que encuentre más satisfactorio.

En el caso que nos ocupa, Zaillan y Fincher han optado por la línea detectivesca, y por una estructura clásica de seguir pistas, hablar con gente y descubrir cosas gracias a la tecnología/inspiración/revelación divina, con lo mucho que esas cosas ralentizan el ritmo de la narración. Es verdad que así queda bien patente que muchas veces el trabajo de investigación se reduce a leerse ingentes cantidades de folios y a mirar con microscopio cada nimio detalle de una foto, pero a veces se echa en falta un poco de agilidad para contarlo o de meter tijera a tiempo. Si a eso se le añade la complicación del idioma en sí, yo me imagino que habrá gente que entre tanto Henrik, Gottfried, Bjurman, Vanger y demás, les parezca asistir a la presentación del nuevo catálogo de Ikea.

Mejora bastante la cosa cuando al fin los dos protagonistas se conocen y empiezan a interactuar, aunque sólo sea por el también clásico choque de personalidades, que sigue funcionando como el primer día. A nadie se le escapa que el verdadero atractivo de la trilogía de Larsson recae en sus personajes principales y muy especialmente en esa introvertida hacker gótica que ha encandilado a medio mundo. Rooney Mara partía con la desventaja de luchar contra la imagen tan fuertemente asociada a la de la sueca Noomi Rapace, pero sin embargo, su propio aspecto (mucho más aniñado y frágil) le confiere una interesante dimensión propia. Y ahí la tienen, que sin grandes estridencias le ha caído una nominación al Globo de Oro (que se acabó llevando Meryl Streep) y otra al Oscar.

Aún así, a pesar de la potencia del personaje, suficiente para sostener la película, queda la sensación de que hay fragmentos que se podían haber acortado (o eliminado) sin mayor perjuicio, y que hay otros que se deberían haber desarrollado mejor en estos 158 minutos. Con todo, el que se acerque a la sala disfrutará al menos de un aspecto técnico mucho más llamativo y a la altura de una gran superproducción: por lo menos tenemos la seguridad de que en ese sentido, Fincher rara vez decepciona.

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Segunda (y presumiblemente no última) entrega del Sherlock Holmes de Guy Ritchie, que viendo el éxito que está cosechando con esta saga, no es de extrañar que tenga intención de continuar explotando esta nueva época dorada que parece estar viviendo el celebérrimo detective del Londres victoriano.

Como se dejaba intuir al final del primer Sherlock, había una ominosa presencia acechando los destinos de Holmes (Robert Downey Jr.) y Watson (Jude Law), encarnada en el profesor James Moriarty (Jared Harris). Frustar los planes de éste requerirá de todas las habilidades de la pareja protagonista, que se verá obligada a recorrerse el Viejo Continente y a contar con la ayuda de la gitana Simza (Noomi Rapace), que parece poseer alguna relación con la trama.

Hay que reconocer que Ritchie no engaña a nadie, y nadie debería sentirse engañado por lo que es una secuela absolutamente continuista en todos los aspectos, aunque a mayor escala, que es lo habitual. Si no hay seguridad de que se pueda ofrecer algo mejor, al menos hay que ofrecerlo en dosis mayores. Michael Bay va tirando con esta receta.

Así que lo que tenemos es una sobrepotenciación de lo que fue la primera parte: más acción, con pasajes realmente espectaculares; más personajes, con apariciones estelares como la de un enorme Stephen Fry (lo de “enorme” es literal); más localizaciones, con París o Suiza; y en fin, más de todo.

A pesar de lo dicho anteriormente, a nadie se le escapa que la mejor baza sigue recayendo en la presencia de Downey Jr. y la química con el paciente Law. Sobre el neoyorquino hay que reconocer que entre su Stark y su Holmes ya se ha forjado una creación más que reconocible, como ha hecho Johnny Depp a base de mover las manos como si espantase un avispero o Hugh Grant tartamudeando y/o parpadeando espasmódicamente. Guste más o menos, éste es su Sherlock.

Sí que el guión es algo más liviano, cosa que en sí misma no es necesariamente mala, y lo demuestra el hecho de que no es necesario un momento Scooby Doo en el que la acción se detenga para que nos ayuden a poner todas las cosas en su sitio, aunque de nuevo Ritchie nos vuelve a esconder información para que el tachán final sea más impactante aún.

Gustará a los que les gustó la primera, y a todos los que no exijan el sombrero de cazador de gamos, porque es una película entretenida y solvente. Los otros tendrán que afinar sus capacidades deductivas buscando en otra parte, como en la maravillosa Sherlock de la BBC. Si toleran que Watson pueda tener un blog. Elemental.

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Nunca he sido fan de Tintín, justo es reconocerlo. Por eso, a pesar de que gente como Peter Jackson y Steven Spielberg estaban involucrados en el proyecto de traer al cine la versión supuestamente definitiva del reportero belga, no era algo que exacerbase mi interés. Al menos, hasta que su estreno empezó a entusiasmar a crítica y público, cosa que en general significa que hay que poner tierra de por medio con las salas más cercanas.

El argumento, a priori, no es gran cosa: Tintín (Jamie Bell), atraído por una maqueta de un antiguo barco, se ve metido sin quererlo en una aventura en la que recorrerá tierra, mar y aire para llegar al fondo (nunca mejor dicho) del misterio. Pero, ay, amigos, como el maluto de turno, un tal Sakharine (Daniel Craig), tiene el mismo interés, ya tenemos lío montado. Eso sí, el chaval del tupé rebelde no estará solo: Haddock (Andy Serkis) o Hernández (Simon Pegg) y Fernández (Nick Frost) estarán allí para echarle una mano.

Repitan conmigo: no se duda de tito Spielberg. Es pecado, delito, como quieran llamarlo. Vamos, que está feo. Una vez más, demuestra que es, si no el mejor, uno de los más grandes narradores cuando se pone tras las cámaras. A poco que le den algo de base le saca partido a cualquier historia, pero cuando tiene material, no queda otra que sacarse el sombrero.

Y esta vez lo tiene del bueno, porque los plumillas de turno son nada menos que el mitificado Steven Moffat, responsable de Doctor Who o Sherlock (obligado ver esta última, por cierto) y el no menos importante Edgar Wright, que escribió y dirigió las grandes Arma fatal y Zombies Party, protagonizadas por los antes mencionados Pegg y Frost. No es que el guión sea un alarde de novedad ni nada por el estilo, pero es brillante en su facilidad para esbozar historia y personajes con poquísimos trazos.

En cuanto a personajes, el protagonista es, que duda cabe, Tintín, que para eso su nombre aparece en el título, pero el que se va a a llevar todo el mundo a casa cuando salga de la sala es ese capitán Haddock de Serkis, que proporciona los mejores momentos de la cinta. Los mejores momentos respecto a los diálogos, ojo, porque en cuanto a secuencias de acción la cosa no se queda corta. Créanme, son muchos años viendo cine de toda clase, y les aseguro que pocas veces me habré encontrado pasajes de tal virtuosismo visual como el abordaje pirata o la persecución en sidecar.

Por supuesto, de poco servirían tan buenas intenciones si el envoltorio no estuviese a la altura, y aquí la tecnología de WETA se deja notar. Si los rasgos faciales no estuviesen exagerados y caricaturizados, habría verdaderas dificultades para distinguirlos de personas reales en ciertas ocasiones: el uncanny valley parece cada vez más cerca.

Gustará a los pequeños, gustará a los grandes, los fanáticos de Tintín disfrutarán con todas las referencias a sus aventuras en papel y los menos conocedores se lo pasarán pipa con una búsqueda que firmaría el mismísimo Indy (si no estuviese tan hecho polvo, claro está). Así que, una vez más, recuerden: no se duda de Spielberg.

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A pesar del buen sabor que a mí me dejó en su momento 28 semanas después (recuerden, no eran zombis, sino infectados), reconozco que no había seguido con especial interés las noticias sobre este tercer largometraje de Juan Carlos Fresnadillo. Y aún así, hay que reconocer que incluso yendo sin ninguna expectativa, la película tiene razones de sobra para decepcionar al más pintado.

En Intruders se entrelazan dos historias: la de Juan (Izán Corchero) y su madre (Pilar López de Ayala) en la España de los setenta, con sus pantalones de campana y todo; y la de John Farrow (Clive Owen) y su familia en la Londres actual. Unos y otros parecen sufrir la amenazadora presencia de un tal Cara Hueca, que lleva una chaqueta roja bastante cutre y que, como su nombre deja intuir, tiene preferencias por las caras ajenas.

Algunos se han aprestado a comparar este film con el cine de Shyamalan. Hay que tener valor, en serio. Mucho. A no ser que se refieran a El incidente o a Airbender, es difícil encontrar tantos motivos para aburrirse en las pelis del hindú.

Cierto que tenemos ahí a unos niños aterrados por unas apariciones como de mucho miedo y que está el drama de la familia que no les entiende ni tienen a nadie a quien recurrir, al estilo de la inefable El sexto sentido, y que al final hay sorpresa. Pero es que mientras llega esa revelación que en teoría debe dejar boquiabierto al espectador hay que contar algo que resulte interesante, y eso no pasa en ningún momento.

Las dos historias, a pesar del intento de equilibrar el metraje de ambas, van perdiendo interés desde muy pronto, porque aquello avanza menos que el tráfico en hora punta, y da la impresión de que como no hay chicha para rellenar se meten o bien más escenas con el Cara Hueca este, cuya némesis debería ser la lavadora, o bien personajes que no aportan absolutamente nada (muy triste el papel que le ha tocado en suerte a Daniel Brühl) y dan un poco de repelús.

Pero lo peor es que a poco que uno ate cabos se da cuenta de dónde van a converger las dos tramas demasiado pronto, con lo que el (poco) interés que podría mantener el guión se va al garete y aquello se desploma por completo. Hay algún intento más de darle otro giro para desviar un poco la atención, pero nada, eso no remonta ni atándole los globos de Up.

Clive Owen usa su única expresión durante toda la película, aunque yo les diría que si no tienen otro remedio que ver Intruders, lo intentasen en VO (lo entenderán los que la vean). Al menos unas risas se echarán. Los niños bien, ya que no resultan demasiado repelentes, cosa difícil en estos casos, y Carice Van Houten, para lo poco que sale, vuelve a mostrarnos generosamente su anatomía. Que esto no deja de ser cine español.

No aporta nada que no hayamos visto antes y encima cansa, aunque es justo reconocer que su factura es excelente. Eso sí, algunos FX no dan la talla, como tampoco la acaba dando el guión ni la dirección. Irónicamente, Cara Hueca ha acabado teniendo la película que merece: una sin cara ni ojos.

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Es curioso el caso de Steven Soderbergh, que desde que dijo aquello de que dejaba el mundo del celuloide saca películas como si no costara. Aún más, con Contagio parece haber cosechado el beneplácito de la crítica, aunque ya les avanzo que a la gente de ERT nos ha entusiasmado bastante menos.

Contagio narra desde diversos puntos de vista el inicio, evolución y resolución de una aterradora pandemia que amenaza con asolar el mundo al completo. Así, asistimos al sufrimiento y desorientación de Mitch Emhoff (Matt Damon), marido de la primera víctima mortal del virus, Beth (Gwyneth Paltrow); a la búsqueda contrarreloj de una vacuna de los científicos del CDC, el doctor Cheever (Laurence Fishburne) y la doctora Hextall; a la denuncia de los tejemanejes políticos y monetarios de las farmacéuticas por parte del blogero Alan Krumwiede (Jude Law); y a la investigación del origen de la enfermedad llevada a cabo de forma independiente por las doctoras Mears (Kate Winslet) y Orantes (Marion Cotillard).

Si algo hay que reconocerle a Soderbergh es una tremenda versatilidad. Ha demostrado sobradas veces que es un gran narrador (las aventuras de Danny Ocean, plagadas de personajes y subtramas así lo confirman), y también que cuando pone en plan trascendente-experimental (¿alguien ha dicho Solaris?), puede aburrir hasta a una estatua etrusca. En Contagio, estas dos facetas van de la mano más que nunca.

Así, tras un comienzo arrollador, apoyado en un montaje realmente intenso y una música que se adapta como un guante, poco a poco el ritmo va bajando hasta encontrarnos con trozos que firmaría el mismísimo Terrence Malick. Y es que ayuda muy poco dividir la atención en tantos puntos cuando a la vista está que no todas las historias tienen el mismo gancho. Además, la manera de solucionar estas tramas no es la más sutil: a veces dejan al personaje abandonado a su suerte en un punto muerto, y se recupera al final sólo para atar cabos.

En estos casos (y algún otro) es donde este enfoque rayano al pseudo-documental se cobra su peaje. Al distanciarse de los protagonistas se evapora cualquier empatía que pueda surgir con ellos, y al final uno acaba viendo la película como quien ve España directo: no puedes evitar pensar en lo mal que lo pasan esos sujetos, pero no llegas a sufrir o regocijarte con ellos.

En fin, que es posiblemente la opción más recomendable entre lo poco que entusiasma la cartelera actual, pero no esperen encontrarse un thriller como Estallido o La amenaza de Andrómeda, sino más bien algo semejante a lo que nos podría ofrecer la cobertura de un canal de televisión. Quién sabe, quizás la mera posibilidad de que algo así pase sea suficientemente aterradora.

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A estas alturas, estarán hartos de oír lo mucho que Super 8 recrea las famosas producciones con las que Spielberg tuvo a bien obsequiarnos durante los años 80. Es inevitable hacer referencia a E.T., Los Goonies o incluso Cuenta conmigo (por cierto, esta última con nada que ver con Spielberg) películas que, más allá de sus diferencias, no dejan de ser lo que en la lengua de Shakespeare se conocen como coming of age films.

El título hace referencia al formato en el que Joe (Joel Courtney) y sus amigos, junto al amor platónico de éste, Alice (Elle Fanning) graban por casualidad un terrible accidente de tren en su pequeño pueblo de Ohio (estado natal de Spielberg, por cierto). Lo raro comienza cuando las fuerzas aéreas toman el pueblo, en busca de algo que al parecer se ha escapado del tren y provoca fenómenos extraños que van sumiendo a los vecinos primero en la confusión, y después en el pánico.

Cualquiera que vea los primeros minutos de Super 8 instantáneamente comprenderá por qué Spielberg se ha visto atraído por el proyecto de Abrams. Como tampoco es nuestra intención profundizar en la afición del de Cincinatti por las historias con chavales de protagonistas, cosa que si estuviese por medio Larry Clark tomaría tintes escabrosos, basta con decir que en muchos momentos resulta evidente por qué los créditos iniciales vuelven a abrirse con el famoso logo de Elliot y E.T. en la bici.

Abrams ha conseguido un equilibrio notable entre las secuencias más intimistas (sin duda las mejores) y las más espectaculares, y confirma lo que algunos sospechábamos viendo series como Alias o Perdidos: a pesar de su espectacular envoltorio, el neoyorquino da lo mejor de sí cuando puede dedicarle tiempo a sus personajes, ya se llamen Sydney Bristow, Jack Shepard o Joe Lamb. Tampoco significa esto que renuncie en absoluto a la pirotecnia habitual: en este sentido, el accidente de tren es de lo más brutal que yo recuerde en una pantalla. Así de memoria el tren debe tener unos tres o cuatro mil vagones de los cuales la mitad al menos deben llevar bombas nucleares dentro.

Pero también, como buen artesano, sabe espaciar las apariciones de la criatura, e ir ocultándola convenientemente para que no se desvele el misterio demasiado pronto, y de paso ir tocando los omnipresentes temas de rigor: el primer amor, la fuerza de la amistad, el poco fiable mundo de los adultos, las familias rotas… Todo muy recurrente y poco original, pero he aquí la clave: sigue funcionando.

Si funciona sólo para los nostálgicos que crecimos con aquellas películas o funciona porque sus temas son universales y de interés en cualquier época está más allá de este comentario, pero no cabe duda de que no estaría de más que Hollywood se planteara si, como parece, sigue habiendo espacio para producciones más cercanas a lo que podríamos definir como “clásico” (así, entre comillas) o esto no deja de ser una excepción al cine más actual de ritmo enloquecido y frenético.

En lo que falla Abrams, sin embargo, es en la escala. Así, películas como las mencionadas antes planteaban situaciones o problemas que sí podían ser resueltas (o como mínimo, afrontadas) por esos niños o adolescentes sin necesidad de recurrir demasiado a lo que el espectador estuviese dispuesto a admitir. En Super 8 eso no está tan bien enfocado: vemos a los protagonistas conducir sin problema alguno (aunque los trece años tampoco es una edad tan descabellada), ir varios pasos por delante de las fuerzas aéreas, meterse en guaridas que darían pánico al Creeper o salir de situaciones cercanas a una guerra mundial sin mayores apuros.

En el fondo, quizás tampoco importe esa merma de credibilidad respecto a sus inspiradoras cuando el resultado es tan notable sobre todo comparado con la mediocridad reinante. Lo importante es que las nuevas alianzas de Spielberg como Peter Jackson, que poca presentación necesita, o el mismo Abrams, parecen estar dando frutos más que interesantes. Si la futura Tintín está a la altura, puede que estemos ante el resurgimiento de un cine que, por mucho que los FX actuales intenten desviar la atención, seguimos echando de menos.

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Es de suponer que cuando un estudio decide hacer una película basada en un superhéroe, no sólo persigue el objetivo de que los fans del personaje acudan en manadas a la sala, sino que aquellos que jamás han oído hablar de él se acaben interesando. Yo no sé cómo saldrá de la sala el aficionado a Linterna Verde, pero ya les digo yo que para el resto va a ser difícil que esta película despierte muchas ganas de seguir indagando en la azarosa existencia del portador del anillo de poder.

Quizás desconozcan, como era mi caso, que existe un planeta llamado Oa, hogar del cuerpo de Green Lanterns, una gente vestida de color verde capaz de transformar la energía de la voluntad (!) en cualquier cosa que se imaginen para poder mantener a salvo el Universo de terribles amenazas. Pero hete aquí que el ser llamado Parallax, que se alimenta de miedo (!!) se escapa de su prisión cósmica y hiere mortalmente al Lantern llamado Abin Sur, cuyo último aliento empleará en buscar un sustituto: el piloto de cazas llamado Hal Jordan (Ryan Reynolds) con graves problemas para asumir responsabilidades (!!!).

Por supuesto, a partir de este peculiar inicio ya se imaginarán que el meollo del asunto será ver cómo el inseguro Hal se acaba convirtiendo en el heróico guardián que todos esperamos. Y así es, aunque está todo retratado de forma bastante torpona y descuidada. Verán, durante toda la proyección uno tiene la sensación de que le están escatimando algo: la primera escena entre Jordan y Carol Ferris (Blake Lively) deja claro que hay un pasado entre ellos, como se insiste en escenas posteriores, pero nunca se llega a saber en qué afecta eso a su relación; de la misma manera ocurre con el encuentro entre Jordan y Hector (Peter Sarsgaard), en que se ve que se conocen y tampoco se aclara de qué (el patio de casa, el instituto, la cola de la pescadería…). Para no ser un thriller de misterio, resulta bastante incómodo intentar ir encajando piezas.

Al menos hasta que uno se da cuenta de que tampoco es que importe mucho. Los personajes entran y salen alrededor de Hal aleatoriamente para rellenar unos minutillos con gente que no vista ropa CGI, que eso tiene que salir más barato a la fuerza; y me imagino que para no cargar mucho las tintas con Reynolds en pantalla todo el rato: se puede confiar en la resistencia del público sólo hasta cierto punto. Y así hasta hora cincuenta que dura el invento, oigan. Mucho tiempo para tan poquita chicha, pero hay que acordarse de que Campbell es el tipo que consiguió que James Bond se pasase más tiempo jugando al póquer que zurrando malosos.

Con todo, lo peor es comprobar que los 200 millonazos de presupuesto se han invertido en algo que luce tan flojo y tan trillado. Que es cierto que esto de ser superhéroe no es ningún chollo y que Spiderman y Batman no son nada sin esos traumas y complejos que arrastran, pero que se puede hacer un personaje sin ese trasfondo dramático (Tony Stark es la prueba) y crear un entretenimiento más que decente. Que no sirve de nada poner al monstruo más horripilante posible y que el prota se lo ventile en cinco minutos mientras todavía no le ha quitado la L al traje. Que haya personajes que se intuyen más interesantes (el Sinestro de Mark Strong o el Hammond de Sarsgaard) y sean meros comparsas ante un Reynolds con el mismo carisma que un pañuelo usado.

En fin, que en estas condiciones la única esperanza de DC ante la Marvel en el celuloide es que a Nolan le salga un tercer Batman absolutamente tremebundo o que Zack Snyder sí consiga pillarle el punto al kryptoniano de la S en el pecho (cosa que Bryan Singer no pudo hacer), porque a poco que el Capitán América y los futuros Vengadores acierten, está claro de a quiénes les va a tocar lidiar con la noche más oscura y quiénes disfrutarán del día más brillante.

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A riesgo de granjearme la enemistad eterna de los fans más acérrimos he de hacerles una confesión: a mí no me da la más mínima pena que se acabe la saga de Harry Potter, al menos en su vertiente cinematográfica. No dudo de que los libros sean estupendísimos y maravillosísimos, pero las películas son otro cantar.

Si, como servidor, el único contacto que tienen con el mago inglés es el de las películas, les costará un par de minutos volver a centrarse, ya que esta entrega final nos lanza directamente al punto donde acababa la parte anterior. A saber, Lord Voldemort (Ralph Fiennes) ha encontrado la varita de saúco y pone cerco al castillo de Hogwarts, último bastión de resistencia contra las huestes del malvado mago. Mientras, Harry Potter (Daniel Radcliffe), Hermione (Emma Watson) y Ron (Rupert Grint) seguirán buscando Horrocruxes para destruirlos antes del inevitable enfrentamiento final.

En todo el tiempo que ha pasado entre la parte 1 y la parte 2, anda que no he oído veces aquello de “la 1 es lenta porque toda la acción la han dejado para la 2”. Yo añadiré que es posible que hayan dejado toda la acción para los extras del dvd, porque aquí también anda la cosa muy justita en ese aspecto. Es cierto que se produce el cacareado choque definitivo entre la luz y la oscuridad (en sentido figurado, claro, que aquí hasta las pulgas deben saber usar una varita para generar luz), pero es que todo resulta muy soso. Ya vuelen por los aires medio castillo, ya se mueran personajes fundamentales, ya se desaten romances en plena batalla todo es absolutamente plano, bien por la poca pericia de David Yates en la dirección o bien porque el libreto no da para más.

Buena culpa de esta falta de emoción radica en el tratamiento del propio antagonista, Voldemort, que entre su pinta estrafalaria y su forma de hablar (al menos en la versión doblada), más que un temible mago malvado parece un pordiosero harapiento con problemas de dicción, y así, es difícil tomarse en serio que este tipo pretenda conquistar el mundo. Lo que funcionaba en anteriores películas como una presencia ominosa de la cual ni el nombre estaba permitido decir, aquí transmite una mezcla entre lástima y grima.

Quedando las partes más intensas del relato desprovistas de toda tensión dramática, poco queda a lo que aferrarse, salvo a unos excelentes efectos especiales y a un valor seguro en cada aparición en pantalla: Alan Rickman y su imponente presencia, por más que el doblaje nos prive de su prodigiosa declamación. Los demás dan el nivel acostumbrado, destacando como siempre los actores más veteranos.

Se cierra el círculo, pues, tras diez años acompañados por el hechicero inglés de la cicatriz en la frente. Algunos llorarán, otros suspirarán (puede que de alivio), y otros se estrujarán los sesos para poder continuar sacándole jugo a la gallina de los huevos de oro. Si son capaces de hacerlo o no, es algo que el tiempo dirá, pero en todo caso, esperemos que lo hagan lo mejor posible. Si no, habrá que seguir aferrándose al típico: “estaba mejor el libro”.

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A mí me ha hecho gracia, ya ven. No sé si es que uno tenía el día tonto, o es que me esperaba lo peor y sin embargo la experiencia no fue tan traumática como esperaba, viendo el infecto tráiler con el que, una vez más, se trata de engañar al personal (Shyamalan lo ha sufrido en sus carnes más de una vez).

Paul está estructurada como una road movie clásica. Ya saben, gente que va desde A hasta B y por el camino sufre vivencias variopintas. Así pues, tenemos a dos frikis ingleses (dífícil saber cuánto de sí mismos hay en los papeles que encarnan) llamados Graeme Willy (Simon Pegg) y Clive Gollings (Nick Frost), que se van a la Comic-Con de San Diego para después hacer una ruta en caravana por los puntos ovni más famosos de los States. Y cómo no, se acabarán topando con un extraterrestre bastante peculiar que se hace llamar Paul (Seth Rogen), que les necesita para llegar a un misterioso lugar y así escapar del gobierno, encarnado en el agente del FBI Zoil (Jason Bateman).

Lo que hacía grandes a Zombies Party y a Arma Fatal era esa visión de los tópicos hollywoodienses del género (muertos vivientes en el primer caso, buddy movies en el segundo) tamizada por la tradicional acidez british que, sinceramente, aquí no funciona tan bien. Más que nada porque en Paul, por motivos evidentes, no han podido hacer el traslado al entorno inglés, y el efecto del choque de culturas queda mucho más difuminado. Además, la estructura de road movie hace que la trama, ya de por sí simple, se quede en una mera sucesión de gags (eso sí, algunos inspiradísimos), lo que no ayuda a la cohesión del conjunto.

La impresión general que se lleva uno de Paul es que es la comedia más “americana” de Pegg y Frost, en el sentido de que muchas veces tiende al humor grueso de caca, pedo, pis, y esa parte, que es la que más se intenta potenciar en el mencionado tráiler, es sin duda la peor. Tampoco el alien Paul es especialmente carismático, a pesar de que en el apartado técnico poco haya que criticarle.

Pero lo que no se puede negar es que hay mucho guiño dirigido al aficionado a este cine, y en general al de aventuras. Y eso es lo que acaba resultando más divertido de todo el tinglado: ir reconociendo cada referencia, ya sea sutil o no, como buen friki, por supuesto.

Irregular y excesivamente light, Paul no se acerca a lo mejor del dúo inglés, pero aún así sigue siendo bastante superior a la inmensa mayoría de producciones cómicas que nos vienen del otro lado del charco, aunque no sea mucho decir. Requerirá, eso sí, de un cierto background para sacarle el jugo o, en su defecto, de alguien que les explique por qué una frase o un lugar aparentemente anodinos tiene la mayor gracia del mundo para quien lo reconozca. No se preocupen, siempre hay alguien dispuesto a mostrar su conocimiento enciclopédico.

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